martes, 31 de diciembre de 2013

TEMA 8: LA IMAGEN COMO RECURSO VISUAL EN LA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA.



BERGER, J. (2010) Modos de ver. Gustavo Gil, Barcelona, CAPÍTULO 7

A diario nos encontramos con cientos de imágenes publicitarias: en las revistas, por las calles de nuestra ciudad, en la televisión, incluso en vehículos. Estas imágenes, se renuevan constantemente para estar el día, sin embargo nunca nos hablan sobre el presente. En ocasiones nos hablan sobre el pasado, pero sobre todo, sobre el futuro.

La publicidad se nutre de lo real, pues nos vende cosas reales y deseables por sí mismas: coches, alimentos, ropa… Pero no se centra en el producto, sino en el futuro comprador: Le ofrece una imagen de sí mismo que resulta fascinante gracias al producto que intenta vendernos. Y entonces, esta imagen hace que envidiemos lo que podríamos llegar a ser. Sin embargo, lo que realmente hace envidiable “lo que yo podría llegar a ser” es la envidia de los demás, por lo que la publicidad se centra en las relaciones sociales, no en los objetos.

Respecto a la relación entre la publicidad y las pinturas al óleo, el capítulo señala que en la publicidad existen muchas referencias a Obras de arte del pasado. Las imágenes publicitarias utilizan a menudo esculturas o pinturas para aumentar la seducción o la autoridad de sus propios mensajes, pues el arte denota riqueza y espiritualidad, e implica que la compra que propone la publicidad es un lujo un valor cultural.

La publicidad depende del lenguaje visual de la pintura al óleo porque divulga mediante imágenes lo que la sociedad cree de sí misma. Sin embargo, la función de la publicidad es distinta de la función de la pintura al óleo, pues ésta mostraba lo que su dueño estaba disfrutando ya, mientras el propósito de la publicidad es que el espectador se sienta insatisfecho con su modo de vida presente, y sugiere que si compra lo que se le ofrece, su modo de vida mejorará.

Para concluir, añadir que en este capítulo, J.Berger atribuye a  la publicidad una importante función social, pues se convierte en un sustituto de la democracia al brindarnos la posibilidad de elegir. La publicidad es la cultura de la sociedad de consumo, divulga mediante las imágenes lo que la sociedad cree de sí misma, y utiliza el lenguaje de la pintura al óleo, por ello depende tanto la publicidad del lenguaje visual de la pintura al óleo. La publicidad ejerce una influencia enorme y es un fenómeno político muy importante. Toda muestra publicitaria está ahí, esperando a que la adquieran porque el sentido de la posesión ha anulado a todos los demás. Por tanto se afirma que la publicidad constituye una especie de sistema filosófico puesto que lo explica todo con sus propios términos. Interpreta el mundo. Mundo del que formamos parte, de ahí la importancia de enseñar a nuestros alumnos a interpretarla y adoptar un sentido crítico que les haga ser lo más libres posibles en sus elecciones.


ACASO, M. (2009)"Lobo nº1: el híper desarrollo del lenguaje visual", Las artes plásticas no son manualidades, pp. 25-35.

La educación artística es un área educativa que se diferencia del resto de áreas de la educación, ya que está basado en un lenguaje específico que es el lenguaje visual.
Lipovetsky aplica el término “híper” a la sociedad del consumo, ya que según él nuestra sociedad actual es de “híper consumo”. Y considera que con el lenguaje visual ha pasado lo mismo, nos encontramos en la era del híper lenguaje visual.
Estos dos conceptos están muy relacionados debido a el híper desarrollo del lenguaje visual hemos desembocado en el híper consumo de esos objetos visuales. Como son los ordenadores, teléfonos móviles...
Esto ha desencadenado estos tres factores: desarrollo de la técnica, especulación de los mensajes visuales y desarrollo del híper consumo.

DE LA RUEDA A ROBOCOP. EL DESARROLLO TÉCNICO COMO MOTOR DEL CAMBIO.
Algunos de los eslabones que desencadenan la tecnificación del lenguaje visual son: 1827, nacimiento de la fotografía; 1900 desarrollo de la imprenta; en los años 60 nacimiento de la TV; en los 70 sistemas de tratamiento de las representaciones visuales que culmina con el nacimiento del Photoshop en los 90; en los 80-90 consolidación de Internet; y a partir del 2000 desarrollo continuo e imparable de nuevos productos en la web.


DE LA VENUS DE WILLENDORF A PAMELA ANDERSON. LA ESPECTACULARIZACIÓN DE LOS MENSAJES VISUALES.
En la actualidad abusamos tanto de las herramientas visuales como son las redes sociales, que hemos llegado a un punto en el cual compartimos cualquier momento con el resto de usuarios. Es más si no lo hacemos vivimos la experiencia como incompleta, si éstas imágenes no se exhiben es como si no hubiesen llegado a ocurrir.

NIKE COMO CURRÍCULUM. EL HIPERDESARROLLO DEL HÍPERCONSUMO.
El papel que tiene el híper desarrollo del lenguaje visual sobre el híper consumo es de gran importancia, ya que a través de este medio fomentan el consumo. A través de las imágenes consiguen que el ciudadano tenga necesidad de consumir.

TÉCNICAS DE AMPLIACIÓN A PARTIR UNA CUADRÍCULA

Ampliación de un dibujo simple como es el elefante a partir de una cuadrícula.

Dibujo realizado

Imagen original

lunes, 30 de diciembre de 2013

TEMA 7: APORTACIONES DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA AL DESARROLLO HUMANO Y AL CURRICULUM ESCOLAR



GARDNER, H. (2011) Educación Artística y desarrollo humano, Paidós.

En esta obra el autor Gardner, a través de una serie de conceptos intenta explicar la función de la educación artística y la evolución del ser humano, y de cómo dependiendo de su desarrollo social se produce una variación de estos conceptos.
Si observamos cómo dan artística en diferentes países, veremos que hay muchos métodos para dar esta asignatura, que reflejan los valores propios de la cultura en la que se imparte pero por lo que se refiere a Gardner es que pretende examinar cómo afectan las diferencias individuales y los efectos que tiene la escuela.
Gardner comienza hablando sobre la teoría de la evolución de Darwin, y de cómo se pasó del estudio de la evolución física, al estudio del crecimiento mental, físico, social y emocional. Más adelante Gardner nombra a Piaget y su teoría de que el entorno marca la trayectoria del desarrollo del ser humano. Pasamos a Goodman y a sus sistemas de símbolos para las diferentes clases de habilidades dentro de las artes educativas.
El proyecto Cero de 1967 fue muy innovador ya que hacía especial hincapié en la importancia de las capacidades artísticas. Un niño de 2 años dibuja principalmente garabatos, el modo figurativo aparece en los dos siguientes años y la organización de objetos aparece un par de años más tarde. Y en la etapa de primaria aparece el realismo fotográfico.
El desarrollo del niño es dividido por Piaget en cuatro partes, el conocimiento intuitivo evoluciona durante el primer año de vida adquiriendo una gran cantidad de conocimiento, después el simbólico que da paso al notacional y por último el disciplinario. Pero también puede aparecer  una quinta forma de conocimiento denominada conocimiento especializado, que incluye multitud de juegos, actividades que van desde el nivel novato hasta el de maestro.
Comenzamos con la educación en los marcos formales e informales, ya que el dibujo podemos encontrarlo tanto en la escuela como fuera de ella, por ello nos habla de ambos marcos.
Una de las causas que no favorecen el desarrollo de las artes en la escuela, deriva de la formación del profesorado, ya que por lo general suele ser un campo bastante desconocido por el docente, o lo interpretan como la necesidad de transmitir de las grandes obras maestras, lo que no ayuda a fomentar la autoexpresión ni favorece el desarrollo de las artes en la escuela.
Gardner considera que sólo aquellos docentes con formación adecuada en artes son capaces de desarrollar este campo en su docencia.
Nos hace un recorrido histórico-geográfico sobre la educación artística, sobre las diferencias que encontramos en Oriente y Occidente, y de cómo lo que para unos es arte para otros no lo son. También sobre cómo ha cambiado el arte a lo largo de la historia.
Por último nos habla de una vertiente surgida durante los años 80´llamada Art PROPEL: Producción, Percepción y Reflexión (estudio para la evaluación y el desarrollo de las artes), que trabaja con la música, la escritura de ficción y las artes visuales, en las que los alumnos son artistas, estudiantes y evaluadores, donde trabajan diferentes formas de conocimiento artístico por lo que tienen una gran motivación intrínseca.
Es necesario que los educadores estén bien informados, tanto como para impartir esta materia de forma adecuada, como para evaluarla.
El educador debe estar en permanente formación, hoy en día esta labor es muy accesible gracias a las TIC, lo que nos permite acceso directo a estudios ya realizados y resultados valorados desde diferentes perspectivas y de cualquier lugar de mundo, lo que nos permite una comparativa con otras culturas y un aprendizaje muy amplio. Gardner nos comenta como esta forma de estudio le ha sido muy productiva y de igual manera nos lo puede ser a nosotros.


LÓPEZ SALES, J.L.(1999) Didáctica especifica de la expresión plástica. pp.37-47.

                 TEORÍA DE LA ENSEÑANZA ARTÍSTICA

ORIENTACIONES DIDÁCTICAS ACTUALES
El sistema tradicional de enseñanza del dibujo se apoya en el estudio de la forma organizada, la geometría, los sistemas de representación objetiva, los volúmenes reglados y de revolución, el color. La didáctica empleada era intuitiva basada en técnicas consuetudinarias, en el estudio de los maestros anteriores y las experiencias del profesor que corregía sobre la marcha las actividades de los alumnos.
Recientemente, se han ido añadiendo otras materias de interés como la educación estética, investigación dirigida, diseño, teoría de la forma. Según Eisner, los dominios del aprendizaje artístico son: productivo, crítico e histórico, y establece 3 tipos de currículum:
1. Programas orientados a talleres.
2. Diseño creativo. Resolver de forma no ambigua, con carácter estético.
3. Enfoques humanísticos o relacionados con las artes.
Un profesor de Didáctica de la Expresión Plástica debe poner su interés en los aspectos teóricos así como en los contenidos y en las prácticas. Se han ido añadiendo otras materias de interés como la educación estética, investigación dirigida, diseño.
El docente de Educación Artística tiene que ver:
A) La educación a través del Arte.
B) La expresión Plástica entendida como lenguaje.
C) La expresión Plástica como actividad creadora.
D) Actividad plástica como extensión de artesanía.
E) Tendencia actual orientada al diseño.
F) La expresión Plástica como elemento globalizador de la educación.
G) Educación de la visión artística.

NECESIDADES DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA
Desde los clásicos griegos, las Bellas Artes se han clasificado como artes no útiles, ya que no son prácticas y no resuelven ninguna necesidad material. No obstante, todo lo que produce placer, felicidad, por lo que el individuo se esfuerza es arte. Después de cubrir las necesidades materiales el hombre, ya desde la prehistoria, se ha dedicado a pintar en las paredes, sus armas, vasijas, utensilios, etcétera. El hombre crea la música, la danza y después la poesía. El arte nos muestra por tanto los momentos históricos de las diferentes culturas, civilizaciones, pueblos y sociedades. hay dos justificaciones por las que la Educación Artística es necesaria:
Histórica: desde tiempos remotos existe el arte.
Biológica: la producción de imágenes, el arte plástico es algo innato en el individuo, cualquier niño siente la necesidad de dibujar.
Las personas que practican arte tienen una necesidad clara, por el placer estético. En el momento que un niño pequeño tiene un cierto control sobre los garabatos y hace cosas que significan algo para él, podemos decir que hay arte infantil.
Desde la antigüedad se han realizado estructuras arquitectónicas tanto civiles como religiosas, que luego han sido decoradas con pinturas y esculturas. Retratos de dioses, reyes, personas importantes y todo ello para dejar huella en el tiempo.
En el siglo XVII Comenius publica su obra Orbis Pictus, fue el primer libro para la instrucción de niños donde se utilizaron láminas, ilustraciones. La necesidad del diseño la trajo la Revolución Industrial.
Las justificaciones del arte las podemos resumir en  tres apartados:
- Arte emocional: carácter físico, psicológico, estético, espiritual.
- Arte técnico: utilidad práctica.
- Arte descriptivo: utilidad práctica.

TEMA 9: DEPARTAMENTOS DE DIDÁCTICA EN INSTITUCIONES CULTURALES-ARTÍSTICAS

BARBE GALL, F. (2009) Cómo hablar de arte a los niños. Editorial Nerea
TAMARIZ SÁENZ, M. (2002) “Aprendiendo a ver. Acercamiento al lenguaje artístico y al arte contemporáneo para alumnos de primaria.” Arte, individuo y sociedad.

Para desarrollar este tema vamos a trabajar dos textos, que son muy interesantes para dar luz, sobre todo a los docentes, de cómo trabajar en el aula de educación artística y visual. Son directrices para una buena praxis educativa.
El primero de ellos es un libro titulado “Cómo hablar de arte a los niños” de Françoise Barbe Gall, y el segundo “Aprendiendo a ver. Acercamiento al lenguaje artístico y al arte contemporáneo para alumnos de primaria”, de Manuel Tamariz Sáenz.
   El primer texto, es un libro de arte para niños dirigido a los adultos, profesores, padres etc. El manual se caracteriza por muy manejable y de fácil lectura y comprensión. Es muy práctico para los docentes porque permite resolver cuestiones y explicar nociones claves del arte, tanto sobre técnicas como sobre estilos.
    En definitiva es una obra cuya finalidad es introducir a los niños en el conocimiento de la historia del arte, a través de preguntas y respuestas. Además dispone de material educativo como  fichas en tres niveles de color, diferenciando su complejidad en los contenidos.
   La autora del libro intenta desarrollar cómo abordar diferentes contenidos, como trabajar los temas del retrato, del paisaje, la abstracción, que son explicadas con material de apoyo o adicional, como por ejemplo, obras de la historia del arte.

   El segundo texto, que hemos leído y analizado y que lo considero como muy enriquecedor, el autor analiza los materiales publicados por el gabinete pedagógico del Centro de Arte Reina Sofía, con objeto de tener una perspectiva del tratamiento que hacen los museos e instituciones dedicadas al arte contemporáneo de la pedagogía del arte y la expresión artística.
   Este análisis se centra en tres tipos de materiales: El primero consiste en la guía didáctica “Guernica”, y los otros dos son cuadernos didácticos denominados “Louise Bourgeois. Memoria y arquitectura” y “Tapies y 7 Tapies”. El autor hace una amplia descripción de cada uno de ellos y aporta su valoración como recursos educativos. Además también propone algunos ejercicios apoyados en un material de su elaboración que pretenden despertar en el alumnado el interés por el hecho artístico.
Como docentes, que somos de qué forma plantearíamos  esta praxis educativa, qué objetivos, qué metodología. Destacamos:
   Los objetivos didácticos que podríamos extraer para llevar a cabo en las aulas de Educación Primaria serían, siguiendo esta práctica educativa, que la considero como muy enriquecedora, por ejemplo, podíamos destacar:

  • Iniciar a los alumnos en el conocimiento de las principales obras de la historia del arte.
  • Analizar el lenguaje plástico en sus diferentes niveles de lectura.
  • Valorar la oportunidad de contemplar las obras de arte directamente mediante la visita de exposiciones y museos.
  •  Estudiar visualmente las obras mediante la elaboración de una serie de ejercicios relacionados con la visita.
  • Perfeccionar la capacidad de percepción y comprensión visual.
  La metodología que emplearemos se basará, en primer lugar, en actividades de motivación que sirvan para centrar la atención de los niños. Después se llevará a cabo una visita programada a una exposición o museo durante la cual se utilizarán los materiales pedagógicos propios del museo. Posteriormente emplearemos el aprendizaje por descubrimiento a través de las invitaciones y sugestiones inmersas en los cuerpos de texto que componen estos materiales.
 Este tipo de actividades son altamente recomendables para realizar en Educación Primaria, porque suponen un elemento motivador para nuestros alumnos y los acerca a entornos artísticos que les permiten ver, mirar y observar el arte directamente y de manera contextualizada.
Los profesores debemos intentar aprovechar y explotar en toda su extensión estas visitas a los museos para desarrollar y fomentar en nuestros alumnos el gusto por el hecho artístico y su implicación en la adquisición de las competencias básicas que establece la legislación. Por todo ello, tenemos que aliarnos con los departamentos pedagógicos de estos museos y conseguir entre ambos que los niños se acerquen al arte de una manera directa y significativa.