MEZCLAS DE COLORES

Este ejercicio se fundamenta en la formación de una cuadrícula en la que aparezcan los colores primarios y las combinaciones de éstos, obteniendo como resultado una amplia gama de colores. Para su realización he utilizado acuarelas.

FIGURAS COMPLEJAS II

Con trozos de papel de distintos colores he simulado un parque de atracciones donde aparece una noria, globos y una caseta de juegos.

DIGIGARABATOS II

A partir de huellas de dedos con acuarela he realizado una segunda lámina donde aparecen monstruos y animales como león, elefante y tigre.

TEMA 10: DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA O EDUCACIÓN ARTÍSTICA. ROMERO RICO, L. y MADRID FERNANDEZ, D. (2000) Fundamentos didácticos de las áreas curriculares. CAPÍTULO 4. MARÍN VIADEL, R.

En este artículo, su autor hace un breve recorrido de la Educación Plástica o Artística y las normativas por las que se ha regido a lo largo de su historia.

La didáctica de la expresión plástica es el área de conocimiento que tiene como objeto de estudio los procesos de enseñanza y de aprendizaje de las artes, las culturas y las comunicaciones visuales.

Hay varios tipos de Educación artística, entre los que encontramos:

- Multicultural: Destaca los valores artísticos y estéticos de las obras de arte y de la cultura visual de todas las culturas.

- Feminista: De acuerdo al pensamiento feminista, se han generado estrategias y modelos educativos, para la recuperación de obras y figuras de las mujeres artistas.

- Medioambiental: Los conceptos de entorno, medioambiente y ecología se han introducido de forma notable en el territorio del arte, diseño y arquitectura.

-  Multimedia: Una de las áreas de mayor impacto social de las nuevas tecnologías ha sido el espectacular incremento de la cantidad de imágenes que se producen y consumen

- Postmoderna: Asume y resume varias de las tendencias anteriores.

Profundizando en este área; la Didáctica de la Expresión Plástica estudia la Educación Artística (dibujo, pintura, escultura, …) y la Educación Estética (arte, música, danza, etc…).

Como consecuencia deducimos, que la Didáctica de la Expresión Plástica o el método de enseñarla, debe resolver dos problemas socioeducativos:

1-Formar estética y artísticamente al conjunto de la población

2-Formar artistas y profesionales de las artes sociales.

La Didáctica de la expresión Plástica es Interdisciplinar y Profesionalizante, cuyo objeto de estudio es el aprendizaje artístico, o la enseñanza-aprendizaje de las imágenes y de las artes visuales.

Las tres fases o estadios que ha seguido la formación del profesorado de educación artística en secundaria son:

- Estadio 1: para enseñar dibujo basta con saber dibujar.

- Estadio 2: para enseñar dibujo es necesario saber dibujar y saber pedagogía.

- Estadio 3: para enseñar a dibujar es necesario conocer, principalmente cómo se aprende a dibujar.

Como conclusión, resaltar la importancia de la constancia a lo largo de los diferentes ciclos de la enseñanza-aprendizaje de la Educación Artística, y no utilizar al alumnado como simples “conejillos de indias” para proyectos personales profesionales. Es fundamental la formación adecuada del docente, pero más aún, sus ganas e ilusión de impartir esta materia a lo largo de todos los cursos escolares.

TEMA 9: DEPARTAMENTOS DE DIDÁCTICA EN INSTITUCIONES CULTURALES-ARTÍSTICAS. BARBE GALL, F. (2009) Cómo hablar de arte a los niños. Editorial Nerea TAMARIZ SÁENZ, M. (2002) “Aprendiendo a ver. Acercamiento al lenguaje artístico y al arte contemporáneo para alumnos de primaria.” Arte, individuo y sociedad.

En este tema, tras la lectura de ambos artículos, podemos obtener una reflexión  sobre el acercamiento del lenguaje artístico a los alumnos de Educación Primaria; tratando en la medida de lo posible aproximarles  al arte, utilizando el lenguaje visual como medio didáctico y otros recursos.

Estos autores en sus artículos nos hablan sobre la metodología y las herramientas educativas a las que se pueden ceñir los docentes  a la hora de realizar actividades extraescolares , que pueden abarcar desde la visita de museos de arte hasta salidas para contemplar por la calle “grafitis” (obras callejeras).

En cuanto a la metodología que proponen, se desarrolla en cuatro fases:

- Primera fase: se pretende concienciar al alumno de qué se va a realizar en las fases posteriores, intentando captar su atención y promover su motivación.

- Segunda fase: conlleva la participación por parte del alumnado en un trabajo de percepción y reconocimiento de las esencias que se contemplan en nuestras visitas.

- Tercera fase: se recomienda  el uso de materiales pedagógicos durante la visita, que nos aseguren una mayor comprensión por parte del alumnado y una mejor asimilación de los conceptos y valores transmitidos por las obras.

- Cuarta  fase: se consideran fases de asentamiento de los conocimientos adquiridos. Si la visita fue grata, los alumnos afianzarán los conocimientos y promoverá una actitud positiva ante nuestro proyecto.

Para conseguir exitosamente que nuestros alumnos adquieran una actitud positiva ante las obras de arte, es necesario seguir unas pautas y metodología en la realización de este tipo de actividades.

Además en este tema se habla del programa educativo “Explora Guernica”, programa de accesibilidad para personas con discapacidad visual que tiene como objetivo promover el acceso de estas personas al “Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía”.

Este tipo de iniciativas están creadas para que los niños lleguen a conocer el arte. Para ello, no sólo se requiere de un proceso de percepción visual, así que este programa se basa fundamentalmente en una concepción plurisensorial, en la que están implicados sentidos como el tacto o el oído, gracias al hecho de que el arte, como el mural de Pablo Picasso, no se basa sólo en imágenes y colores, sino también en sensaciones e historia.

Este programa presenta dos grandes objetivos: por un lado, nos encontramos con el objetivo general, cuya principal motivación era permitir el acceso a todos estos contenidos artísticos independientemente de las dificultades de cada participante; por otro lado, tenemos el objetivo específico, basado en hacer que las emociones que causa el lienzo puedan ser transmitidas a todos los visitantes mediante el tacto, las indicaciones verbales,…

Como conclusión obtenemos que los docentes disponemos de actividades alternativas para la enseñanza de los contenidos como son las visitas a museos, siendo una gran herramienta didáctica ya que conseguimos que nuestros alumnos se motiven y pongan toda su atención en ello. Además estas lecturas nos enseñan que para diseñar esas actividades, tenemos que investigar en las diferentes visitas que ofertan  los museos, adaptándose a todas las necesidades educativas de nuestro alumnado.

MEJORA DEL PROYECTO ARCILLA LA JARRA

Como podemos ver la consistencia, la estructura de este es más fuerte que la que realice anteriormente. He utilizado otra técnica la cual consistía en ir haciendo churros y con los dedos juntando. Cuando la arcilla se secó se procedió a pintarlo con acuarelas y también se decoró.

Esta es la jarra que realicé por primera vez y podemos ver a simple vista que su consistencia, su estructura es muy débil.

TEMA 8: LA IMAGEN COMO RECURSO VISUAL EN LA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA. BERGER, J. (2010) Modos de ver. Gustavo Gil, Barcelona, CAPÍTULO 7.

En el artículo "Modos de ver" de Gustavo Gil  se habla de la cantidad de imágenes publicitarias con las que nos encontramos en la ciudad, publicidad que se centra en las relaciones sociales y que promete la felicidad a nivel general.

Como vimos en el texto del mismo autor que leímos anteriormente, la cultura visual se basa en el lenguaje visual, este lenguaje se encuentra actualmente activo en la oferta y la demanda de la sociedad actual. Los anuncios y la propia demanda nos incita a dejarnos llevar por las imágenes.

Estas imágenes pueden ser manipuladas, dándonos una impresión falsa de lo que vemos ya que nos maquillan el producto y hacen un lenguaje visual equivocado. Por tanto, es necesario que desde pequeños en la escuela se proporcionen medios a los alumnos para interpretar las imágenes y los anuncios.

El autor hace una interesante referencia a la relación que se establece entre la publicidad y las pinturas al óleo. Muchas campañas publicitarias, utilizan obras de arte del pasado como imágenes publicitarias, queriendo transmitir un mensaje de que ese producto que se publicita presenta riqueza cultural; siendo más seductor para el consumidor.

Por tanto, ya que estamos bombardeados diariamente por publicidad, tenemos que saber discernir, y enseñar a nuestros alumnos a ello, entre lo real y lo que se nos publicita. Tenemos que inculcar al alumno que adquiera una personalidad propia para que de este modo no se deje influenciar por la publicidad en la que estamos inmersos y de esta manera que pueda elegir libremente su acción.

TEMA 7: APORTACIONES DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA AL DESARROLLO HUMANO Y AL CURRICULUM ESCOLAR GARDNER, H. (2011) Educación Artística y desarrollo humano, Paidós.

En este artículo, el autor Howard Gardner, describe  las diferentes formas y medios que se deben llevar a cabo para enseñar a los alumnos de una forma efectiva en el área de la educación artística.

A lo largo de la historia, muchos  investigadores  han estudiado el desarrollo humano, como Darwin, Freud, o Piaget, entre otros.

Según Jean Piaget, el desarrollo humano se divide en diferentes etapas que van desde la más básica donde el alumno carece aún de un completo desarrollo hasta una etapa final donde el alumno adquiere la maduración física, mental, social y emocional necesarias para adquirir los contenidos.

La mayoría de especialistas en el campo de desarrollo cognitivo convergen en que un ser humano está desarrollado cuando es capaz de usar el pensamiento lógico racional. Sin embargo, el foco de la investigación recae en la solución de problemas, en las diferencias, en la comprensión de conceptos, y sobre aquellas tareas que pueden describirse en función de respuestas correctas o incorrectas.

Por tanto, podemos incidir en que para que un alumno adquiera los conocimientos necesarios para un completo desarrollo, tendrá que haber superado todas las etapas anteriores. Esto no afecta solo al área de la educación artística sino también al resto de áreas de conocimiento necesarias para la formación del alumno.

La habilidad artística, en coherencia con los análisis presentados por estos investigadores, es considerada un ámbito de uso humano de símbolos. Significa, que los individuos que quieren participar en la percepción artística deben aprender a descodificar los símbolos de su propia cultura; los que quieren participar en la creación artística tienen que aprender a manipular con las distintas formas simbólicas de su cultura; y los que quieren comprometerse con el ámbito artístico tienen que dominar determinados conceptos artísticos fundamentales.

TEMA 6: ANÁLISIS DEL DESARROLLO DEL DIBUJO ESPONTÁNEO EN LOS NIÑOS/AS. LOWENFELD, V. y LAMBERT, B. (2008).DESSARROLLO DE LA CAPACIDAD INTELECTUAL Y CREATIVA. Madrid, Síntesis. Capítulo 8: La conquista de un concepto de la forma, pp. 289-338.

En este texto el autor realiza un  análisis del desarrollo del dibujo en los niños. Para empezar se detalla la importancia de la fase esquemática en el niño, de cómo se producen las manifestaciones artísticas a partir de imágenes mentales procesadas (esquemas de objetos) y que a la edad de siete años la mayoría de niños, ya han desarrollado esta fase, para los elementos comunes de su entorno.

Posteriormente expone las características de los dibujos esquemáticos en el niño:

- El esquema humano: dibujo de la ropa en lugar del cuerpo, simetría en el cuerpo, perspectiva fácil de reconocer…

- El esquema espacial: la línea básica que indica la relación entre los objetos en el espacio.

- La línea básica como parte del paisaje: las diferentes formas de emplearse en el dibujo y el conocimiento que el niño tiene del paisaje a partir de la imagen.

- Otros medios de representación espacial: el plegado.

- Las representaciones en rayos X: mezcla del interior y exterior de un elemento del dibujo.

- Representaciones de espacio y tiempo: secuencias espaciales distintas.

- Significado de las variaciones en el esquema: exageración de las partes importantes, descuido u omisión de partes importantes y cambio de símbolos por partes importantes.

- Significado del color y el diseño: relación entre el objeto y el color asignado. Los niños pueden realizar descubrimientos al mezclar las pinturas.

Al final del tema, se hace incidencia en la motivación artística en el niño a la hora de ser aplicada en las aulas, ayudando a crear y diseñar temas originales despertando creatividad en el niño. Por tanto, es muy importante tener en cuenta los recursos y materiales artísticos que los niños pueden y deben utilizar. Nunca hay que exigir demasiado si no procede.

Como conclusión, los docentes debemos tener en cuenta que los niños deben recibir consideraciones  y reforzamientos positivos que les anime a explorar e investigar nuevas formas de expresión artística. Tenemos que fomentar la creatividad en nuestros alumnos y valorar los esfuerzos en las obras que realizan.

TRES DIMENSIONES:JARRÓN DE ARCILLA

TEMA 5: LENGUAJE PLÁSTICO Y VISUAL: CONCEPTOS BÁSICOS. ACASO, M. (2006). EL LENGUAJE VISUAL, Barcelona: Paidós

La lectura de este texto tiene como finalidad el aprendizaje de conceptos básicos del lenguaje visual. El lenguaje visual, aunque no de forma tan estructurada como en el resto de los lenguajes, se articula a través de dos grandes grupos de herramientas: de configuración (el tamaño, la forma, el color, la iluminación y la textura) y de organización (la composición y la retórica visual).

 Estas herramientas son tenidas en cuenta por el autor de una obra, a la hora del desarrollo de la misma en función de la intención que se persiga, ya que éstas  aportan un grado muy alto de información a la obra.

Cada una de las herramientas serán utilizadas con un determinado fin:

- Configuración: el autor muestra una serie de sensaciones que son unificadas por nosotros a través de las diferentes herramientas.

- Organización: nos da un aspecto más exterior del arte, contemplando metáforas o retóricas.

En lo que se refiere a las herramientas de configuración, éstas se clasifican en tamaño, forma, color, iluminación y textura.

-El tamaño hace referencia a las dimensiones físicas del producto visual y la elección de éste afecta de manera decisiva al significado total de la representación ya, al igual que el resto de herramientas, aporta información.

-La forma es la determinación exterior de la materia, los límites exteriores del material visual, y existen dos tipos: formas orgánicas o naturales y formas artificiales.

-En cuanto al color, vemos que también es una herramientas cargada de información, por lo que constituye uno de los recursos más importantes para transmitir significados. A la hora de su elección se ha de tener en cuenta la existencia de dos tipos básicos de color: colores-pigmento y colores-luz, siendo los primeros aquellos en los que se trabaja el color como materia y que pueden ser tocados físicamente, mientras que los segundos no se pueden tocar.

-Respecto a la iluminación, es una herramienta que transmite significados desde dos niveles. Un primer nivel se refiere al tipo de iluminación que elige el autor en el contenido intrínseco del propio objeto, y un segundo que hace referencia al tipo de luz que se utiliza para iluminar un objeto desde su exterior.

-Por último, en cuanto a la textura, destacar que ésta se define como la materia de la que está constituido un producto visual, así como la representación visual de cualquier materia.

Componer una imagen consiste en ordenar las herramientas en función del mensaje que se quiere transmitir, de manera que cada elemento encaje con todos, con el fin de alcanzar un conjunto, y dicha composición puede ser reposada o dinámica.

La retórica visual es la herramienta que se utiliza para interconectar los distintos significados de cada uno de los componentes de un producto visual.

Como conclusión, podemos decir que cuando conocemos las distintas herramientas sobre el lenguaje visual, podremos apreciar el arte que producen los artistas y también obtener un significado sobre una obra, y un punto de vista distinto al que podíamos tener en un principio.

Además es fundamental que el docente conozca bien estos conceptos básicos del lenguaje visual para poder posteriormente transmitirlos adecuadamente a nuestros alumnos.

TEMA 4: LA PERSONALIDAD CREATIVA. ARAÑÓ GISBERT, J. C. (1994) "ARTE, EDUCACIÓN Y CREATIVIDAD" Pixel-Bit: Revista de medios y educación, no. 2.

En este artículo, su autor, hace un repaso a las concepciones históricas de creatividad, para concluir que creatividad implica, necesariamente, innovación, novedad, nuevo (ruptura con todo lo anterior). Se habla del concepto de creatividad artística como algo obvio que ha estado presente en la práctica artística histórica donde erróneamente se asocia el concepto de artista al concepto de creador como si fueran sinónimos. Esto es debido a que los términos Creatividad y Arte son ambiguos e imprecisos y tienen una gran influencia cultual.

También podemos aprender del texto que se distinguen cuatro tipos de creatividad:

- la que no acepta límites.

- la inventiva.

- La que supera los límites.

- La organizadora estética.

Según el autor,  para una evaluación objetiva del término “Creatividad en las artes plásticas”, se han de tener en cuenta previamente conceptos tales como: realidad, belleza , naturaleza ,conocimiento ,producción ,novedad ,libertad y futuro y la relación entre estos.

Respecto a la ideología artística, se hace referencia en el texto,  el arte como un fenómeno universal  que comprende los distintos grupos sociales donde se da una transmisión cultural, entendiendo la cultura como la forma genuina de la búsqueda de soluciones a los problemas sociales específicos y comunes a un mismo grupo. Dichas soluciones dependerán de determinados factores ambientales y de la relación con otros grupos sociales. En esta interrelación de distintas culturas es donde se centra la importancia artística desde el punto de vista educativo.

Como conclusión de la lectura del texto, vemos que tanto los conceptos arte y creatividad son ambiguos pero a la vez ambos conceptos van de la mano, ya que no podemos dar una definición de arte sin nombrar la creatividad, y el producto de la creatividad suele ser arte.

Además como futuros docentes tenemos la labor de fomentar en nuestros alumnos la creatividad en Educación Artística, la cual les ayudará a ser más creativos en otras áreas, como hemos podido leer en el texto.

TEMA 3: PERCEPCIÓN, EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN. BERGER, J. (2010) MODOS DE VER. Gustavo Gil, Barcelona.CAPÍTULO 1.

En este texto el autor nos habla de las distintas formas de ver la realidad que nos rodea.

El niño mira y ve antes de hablar.El hecho  de que la vista aparezca antes de el habla, ayuda a la creación de la realidad de cada uno, puesto que la visión está en una actividad continua de aprendizaje. 

Lo visible es el conjunto de imágenes que el ojo crea al mirar,  es la realidad que se hace visible al ser percibida. 

Una imagen es una visión que ha sido recreada o reproducida, es una apariencia, o conjunto de apariencias. Toda imagen encarna un modo de ver.

La imagen nos llega antes que la palabra, a simple vista nos genera más información que cualquier documento.

Todas las representaciones e imágenes representan la forma de ver de la persona que la crea, pero para el que la contempla el significado puede no ser el mismo por su diferente forma de ver las cosas.

Las obras de arte deben ser vistas como lo que son, arte , teniendo en cuenta que este concepto es ambiguo, hay que  contemplar e interiorizar la unidad de la obra.

Gracias a la fotografía y reproducciones grabadas, las obras de arte se pueden reproducir cuantas veces se quiera y llegan a todas partes pero el inconveniente que el autor nos presenta es  que sólo muestran una parte de ellas, distorsionando y destruyendo la unidad y originalidad de las obras de arte.

Como conclusión,  como futuros docentes deberemos enseñar a nuestros alumnos los deferentes modos de ver el arte y como contemplar las obras de arte.

TÉCNICA DE DIGIGARABATOS

Con esta técnica fomentamos la creatividad e imaginación del niño utilizando tan sólo pintura de manos, las huellas de nuestros dedos y rotuladores. Con la estampación en pintura de nuestras huellas y su posterior retoque con rotulador podemos obtener dibujos muy creativos. Estas láminas las he titulado: 

"El reino de las hormigas"

"Carrera de cien pies"

TÉCNICA DE AMPLIACIÓN DE UN DIBUJO SIMPLE USANDO CUADRÍCULA

Esta técnica consiste en la ampliación de un dibujo simple usando como soporte una cuadrícula. En el dibujo original (pequeño), trazamos una cuadrícula, seguidamente trazamos esta misma cuadrícula pero a mayor escala a nuestro cuaderno. Finalmente pasamos el dibujo a la nueva cuadrícula obteniendo como resultado el mismo dibujo pero ampliado.

DIGIGARABATOS CON LA MANO

A partir de la huella de la palma de mi mano he creado una jirafa y un león, para seguir fomentando la creatividad. Los he completado con ayuda de los rotuladores para terminar de realizarle el cuello a la jirafa y la cabeza al león.

DIGIGARABATOS CON HUELLAS DE DEDOS

Con este ejercicio lo que se pretende es fomentar la creatividad a través de tres elementos, nuestras huellas, pintura de dedos y rotuladores.Se trata de hacer figuras simples a partir de las huellas y utilizando el rotulador para hacer trazos que den lugar a los animales, cosas o personas, que a través de nuestra imaginación y creatividad seamos capaces de realizar. 
En esta primera lámina he realizado con esta técnica un paisaje compuesto de: mariposas, pajaritos, mariquitas, flores, árboles, montañas y un río.

Para seguir trabajando la técnica en esta segunda lámina he representado figuras humanas para ello he escogido un concierto de música con los espectadores bailando en la parte de abajo y en la parte superior se encuentra el escenario con los tres músicos. Para terminar de darles forma me he ayudado de los rotuladores.

MEZCLAS DE COLORES

En este ejercicio práctico para el conocimiento básico del color he hecho una cuadrícula en la lámina con 11 filas y 11 columnas. Con acuarelas  he pintado primero en cada celda (de filas y columnas) los colores primarios, y después he hecho las combinaciones alternando celdas para que no se mezclasen los colores.