Proyecto de arcilla: jarrón

Ejercicio digigarabatos

Fomentamos la creatividad a través de tres elementos, nuestras huellas, pintura de dedos y rotuladores. La parte central de la figuras están hechos con la huella de los dedos,  y le damos significado con los trazos del rotulador. He realizado un paisaje cuyos elementos en los que se compone la lámina, peces, flores, margaritas etc... están realizados con esta técnica.

Realización de unas imágenes basadas en el libro: Artistas por descubrir de

Quentin Blake y John Cassidy.

La realización del las láminas del libro nos permite  de manera amena jugar con el dibujo como  lenguaje y descubrir el artista que llevas dentro.

Ampliación de un dibujo simple sin cuadrícula

Para realizar esta actividad debemos seguir los siguientes pasos: 1- boceto de formas simples, rayas, círculos u otras formas; 2-añadir más formas simples; 3-definir forma general; 4-definir los detalles; 5-perfilar líneas más finas; 6-añadir líneas más gruesas; 7-color de base; 8-añadir brillo y sombras.

Cuadro original

Reproducción ampliada del cuadro sin cuadrícula

Caracterización de adjetivos

Con esta actividad se fomenta la creatividad, la confianza y la autoestima.

El objetivo es plasmar a través del dibujo estados de ánimo o características bien de un objeto animado o inanimado. Se fomenta el arte como lenguaje y la comunicación no verbal

Caracterización de adjetivos

Ampliación de un dibujo con cuadrícula

Se realiza en el cuadro original líneas horizontales y verticales, con distancias iguales, formando una cuadrícula regular.Se repite la misma dinámica en la lámina donde vamos a realizar el dibujo, pero a mayor escala, respetando el número de cuadrados que hemos realizado en  la imagen original. Los puntos de intersección y las cuadrículas nos indican la ubicación el trazado.

Con esta técnica se fomenta el control de la destreza motriz fina y media, así como las mediciones de las distancias.

Ampliación del cuadro con técnica de ampliación de cuadrícula

 

Cuadro original

TEMA 10: DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA O EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Como una especie de introducción, nos gustaría resaltar como desde siempre se ha colocado a la Enseñanza Artística en un bajo puesto de importancia respecto a las otras asignaturas, sin embargo; no es una materia diferente a las otras del currículo escolar, ni menos académica que las demás. La mayoría de los aprendizajes más valiosos y decisivos en Educación Artística no son de tipo memorístico, ni hay una única respuesta correcta las preguntas y problemas. Los conocimientos y aprendizajes del alumnado en ella pueden, y deben organizarse y evaluarse de la misma forma que en cualquier otra materia del currículo. Las personas, los animales, ciudades y paisajes, objetos que conoce el alumnado y profesorado, las conoce a través de imágenes. Algunas de las mismas tienen un significado simple y unívoco, otras un alto contenido simbólico, o son descriptivas, poéticas… pero todas ellas directa o indirectamente forman parte de nuestra vida cotidiana y modelan y configuran nuestras actitudes y valores.

Tradicionalmente, esta materia se llamó “dibujo”. A partir de mediados del siglo XX comenzaron a utilizarse un nuevo tipo de denominaciones: artes pláticas, expresión plástica, educación visual… La cual siguió cambiando con motivo de las habituales reformas educativas. La asignatura de Educación Artística no incluye todas las manifestaciones artísticas, sino que se refiere principalmente a las artes visuales.

En la Antigüedad, surgen las primeras reflexiones sobre el interés y la orientación que debe adoptar la educación artística en la escuela. Su enseñanza se recomendaba para la vida diaria de las personas para saber apreciar la belleza. Es la visión de Aristóteles.

En la Edad Media, se consideraban oficios manuales y se desempeñaban en los lugares de trabajo y con un sentido artesanal. El aprendizaje estaba claramente centrado en los materiales y técnicas, sin esperarse que manifestaran una gran originalidad e innovaciones estilísticas.

En el Renacimiento se empezaron a organizar academias de dibujo, considerado como el funcionamiento de todas las bellas artes. Acudían a ellas las personas que querían especializarse para su futuro trabajo en él. Junto a los ejercicios de dibujo estaba la teoría de la proporción, lo que posteriormente vendría a constituirse como la historia del arte y la estética: el Romanticismo.

Es en el siglo XIX cuando entra como materia en las clases de primaria y secundaria, pero con un sentido de rigurosidad, donde el dibujo se contemplaba como la exactitud y la precisión a la hora de su manejo. Se crearon libros y cuaderno para aprender a dibujar con esos requisitos a mano alzada. A finales de siglo, con la búsqueda de una sociedad no contaminada por parte de Gauguin y sus viajes a Taití, se empieza a buscar la espontaneidad en el dibujo.

A principios del siglo XX se descubre el dibujo de los niños como una forma de representación que se utiliza para expresar la visión que tienen los niños del mundo. El dibujo empieza a tratarse como lenguaje, y además, se descubre su rama infantil, entre otros sucesos:

·         Cambio de consideración hacia la infancia de las teorías educativas.

·    Mejor comprensión de la menta infantil gracias a las investigaciones en psicología evolutiva.

·         Innovaciones de los cuadros y dibujos.

·   Movimientos artísticos de vanguardia como el expresionismo, el cubismo y la abstracción.

A partir de la mitad de este siglo es cuando se cristalizó y alcanzó pleno esplendor la tendencia que había arrancado con Cizec, conocido actualmente como: autoexpresión creativa, como modelo de pensamiento independiente, basándose en la descarga emocional, la libertad, la expresión que está de acuerdo con el nivel personal del niño. Entre sus ideas destacan:

·    Lo decisivo está en la persona que se forma teniendo en cuenta sus sentimientos, emociones, forma personal y única de comprender el mundo, sus capacidades expresivas…

·    Evitar modelos/estereotipos, ya que cada individuo debe saber descubrir y buscar respuestas por sí mismo.

·         Cada niño debe crear, para adoptar nuevos enfoques y conocimientos para desarrollar una acción en el futuro.

Un importante dato a destacar, es que en la década de 1970 se promovió una metodología basada en un modelo curricular multidisciplinar: el currículo deriva de la estética, la crítica del arte, la historia del arte y la creación artística. Llamado DBAE: Educación Artística Basada en Disciplinas.

Para centrar y a modo de resumen y reflexión, la Didáctica de la Expresión Plástica es necesario considerar cada uno de sus 4 elementos: enseñanza, dibujo, alumnado y escuela, ya se produzca en el sistema educativo formal, como en la educación no formal (museos, galerías de arte, fundaciones, etc...)

La didáctica de la expresión Plástica se pregunta no sólo cómo hay que enseñar las artes visuales, sino también qué cultura visual debemos desarrollar, en fin, para qué aprender y por qué educarse artística y estéticamente.

La Didáctica de la Expresión Plástica estudia por un lado: La Educación Artística (donde la formación del creador en artes visuales: dibujo, pintura, escultura, grabado, cerámica, etc... y por otro lado la Educación Estética (donde enfatiza la formación teórica del espectador ante el conjunto de las manifestaciones artísticas: música, danza, teatro, poesía, etc...

La Didáctica de la expresión Plástica es Interdisciplinar y Profesionalizante, cuyo objeto de estudio es el aprendizaje artístico, o la enseñanza-aprendizaje de las imágenes y de las artes visuales, el objetivo es el conocimiento, el disfrute y la transformación de los aspectos visuales, constructivos, simbólicos, mediante la creación de imágenes. Para conseguir un mayor disfrute tanto del mundo como de la cultura, y un mejor conocimiento de la experiencia humana: del amor, de la muerte, de la sinceridad, etc.

Las tres fases o estadios que ha seguido la formación del profesorado de educación artística en secundaria son:

·         Estadio 1: para enseñar dibujo basta con saber dibujar.

·         Estadio 2: para enseñar dibujo es necesario saber dibujar y saber pedagogía

·   Estadio 3: para enseñar a dibujar es necesario conocer, principalmente cómo se aprende a dibujar.

La necesidad de enseñar educación artística en todos los niveles de enseñanza es constante, la mayoría de proyectos y materiales curriculares que se elaboran para la educación Artística están basados principalmente en la experiencia profesional personal y en la investigación del área, de ahí la necesidad de abordar desde enfoques estrictamente profesionales la enseñanza de las artes visuales.

La Investigación en Educación artística es el esfuerzo sistemático por contestar las preguntas relacionadas con el campo, usando los instrumentos del saber.